Movies

Ieri è stata rilasciata la festa più bizzarra del cinema francese. Questo è il nuovo lavoro è Leos Carax, un regista che ha trascorso anni in ogni film, e che questa volta porta Motors Santo, opera di fantascienza che racconta le 24 ore di Monsier Oscar, interpretato da Denis Lavant, che cambia affrontare e vivere diverse vite. Così, esegue la vita esecutivo, un mendicante, un assassino di un padre, un mostro ... tutto nella ricerca della cerimonia veramente bella, e accompagnato da una bionda bellissima che ti aiuta a muoversi Parigi. Riportiamo il giorno stesso in cui On the Road, Walter Salles, e il sonno e il silenzio , da Jaime Rosales.

Monsier Oscar è un attore che agisce senza telecamere o paesaggi, un essere che ha sviluppato le molteplici possibilità di ogni vita umana. Sartre diceva che l'angoscia dell'uomo è la libertà assoluta che deve scegliere, in quanto l'incertezza ci appesantiscono. Per Monsieur Oscar, la libertà è l'unico modo possibile di vivere, e trasmutazione, la loro routine quotidiana. Indubbiamente il più strano lavoro del festival e ha generato più polemiche, ha tra il suo cast con artisti del calibro di Kylie Minogue unica, Eva Mendes e Michel Piccoli.

Nella conferenza stampa , il regista ha parlato con il linguaggio personale, riferimenti espliciti ai film che riempiono il film, e sono serviti per una definizione del cinema:

Odio il termine di riferimento. Il cinema è come un'isola, una bella isola con un grande cimitero. Quando un film è il film "

In una conferenza stampa in tandem, Lavant e Carax hanno parlato del rapporto del film con il pubblico. Leo vede i film come un rapporto diretto tra spettatore e opera:

Mi interessa che vedo. Simpatia ¿? Con una persona che ama, e io sarò soddisfatto (...). Non mi piacciono i film pubbliche, private film che faccio.

L'attore, Denis Lavant, ha espresso questo parere:

Il rapporto del regista con il pubblico è un rapporto privato, un rapporto di un individuo ad un altro individuo, non una massa anonima.

Leos Carax torna al cinema dopo 4 anni di silenzio. Si tratta di un manager personale, con pochi film al suo attivo e problemi finanziari, vuole riflettere il suo universo personale non è senza tradire e produttori. Quindi la distanza tra le pellicole. La sua opera più famosa è Les Amants du Pont Neuf (Gli amanti del Pont Neuf), una storia d'amore di due mendicanti sul ponte di Parigi.

Foto: Sito ufficiale di Cannes

Ieri, Cannes è in fermento con le stelle e le aspettative. Ed è che l'adattamento di uno dei libri chiave della storia della letteratura americana, che ha segnato generazioni di giovani degli anni Cinquanta, è stato presentato al Festival. On the road (sulla strada), opera chiave della generazione Beat, era stato a lungo alla ricerca di una versione cinematografica, e la responsabilità è caduta sui brasiliani Walter Salles. Si è esibito lo stesso giorno sogno e silenzio , di Jaime Rosales.

Il libro e il film raccontano il viaggio in auto attraverso gli Stati Uniti dei protagonisti della Beat Generation negli anni Cinquanta, che è un viaggio iniziatico di dissolutezza e la conoscenza. Un viaggio all'estero è un viaggio interiore, un autoconcimiento. Questa è una canzone alla scoperta, la grande epopea dei tempi moderni in America, quando l'avventura è ancora possibile all'interno del paese, perché la civiltà non è cresciuto affatto. Una fuga dalla modernità alla natura più selvaggia e la più primitiva.

E a causa della rilevanza delle figure ritratte, casting è stato molto attentamente. Così, figure importanti come Kerouac, Burroughs e Ginsberg sono interpretati da uno staff di celebrità giovani star system hollywoodiano: Garrett Hedlund, Sam Riley e Kristen Stewart ... Ma abbiamo anche trovato gli attori più affermati come Viggo Mortensen e Kirsten Dunst. Walter Salles parla circa l'importanza di questa elezione in conferenza stampa :

Per me, gli attori sono co-autori del film. Siamo andati oltre il libro per fare ogni sforzo per preservare la sua essenza. Volevamo lavorare in uno spirito di improvvisazione permanente.

Walter Salles prende un pensiero di fare, mentre la regolazione, come indicato nella conferenza stampa:

Ci sono voluti otto anni per fare questo film. Anche pensato di fare un documentario per l'uso come base. La storia è piuttosto al periodo precedente alla Beat Generation. Tenendo conto del risveglio politico e sociale dei due giovani che scoprono una geografia umana di cui non sapevano nulla.

Viggo Mortensen ha parlato della rilevanza di adattamento, come si è visto nei conflitti contemporanei:

Ho letto il libro di nuovo per fare il film e si rese conto che è molto attuale. Oggi, vediamo anche una certa riluttanza da parte dei giovani alla crisi economica e alle autorità. Credo che fosse il momento giusto per rilasciare il film. La gente della mia generazione, probabilmente rileggere il libro con una certa nostalgia, e anche i giovani, identificare con il tempo, con quello che è successo. Quello che mi piace del libro è la straordinaria libertà di interpretazione offerto. Walter ha fatto qualcosa di nuovo con i personaggi, non solo di fare una copia identica.

E Kristen Stewart ha parlato il suo carattere di Marylou:

Mi piace molto il personaggio di Marylou. Ha una personalità molto forte e ciò che dice è irrilevante. Non è un ribelle, è se stessa. La sua priorità è quella di essere umano. Per me lei incarna lo spirito del libro. Quando ho avuto dubbi sulla sparatoria, si sentiva davvero la sua presenza.

Walter Salles è per eccellenza il regista di Road Movies, dopo il ritratto di viaggio Che in I diari della motocicletta, Stazione Centrale e Brasile (1995). I suoi personaggi sono sempre alla ricerca della propria identità durante il viaggio, lasciando la sicurezza della casa. Come egli sembra fare, perché la sua carriera è stato sviluppato da diversi paesi, come il Brasile, Argentina e Stati Uniti.

Foto: Sito ufficiale a Cannes

Abbas Kiarostami radicalizzato le loro proposte narrative. O meglio, non più radicali narrazioni proposte, perché le strisce la storia di ogni ornamento per lasciare un regime chiave, solo un contorno, che rompe prima dello scoppio del conflitto. Poiché il film contiene Kiarostami contenere altri in 15 minuti.

Come qualcuno in amore, finora il festival proposta più sperimentale, descrive la relazione tra una giovane ragazza chiamata giapponese (Rin Takanashi), che ricorre alla prostituzione per finanziare i loro studi, con un anziano (Tadashi Okuno) che richiedono i loro servizi e protegge dalla furia del suo fidanzato dominante (Ryo Kase). E intorno, tutto è potata di colpi di scena narrativi, è una storia semplice, ma permette di guardare meglio nel loro sviluppo.

Tutto è narrato in tempo reale. È difficile trovare i puntini di sospensione, la notte in cui dividere il letto (non so se mentono o no, ma non importa). E il resto sono in tempo reale viaggi in Giappone, e in auto, come sempre in Kiarostami. Quella macchina che offre protezione e avventura parti uguali, uno spazio intimo in un ambiente aperto. L'auto serve come il regista a fare la raccolta necessaria per l'espressione di emozioni e di fiducia, come indicato in The Taste of Cherry, un film che ha vinto la Palma d'Oro nel 1997.

Come al solito nei suoi film, il film inizia in medias res, in un jazz bar in cui è legata la ragazza il protettore. Ma non conoscono i loro intenzioni fino alla metà del film. Ed è che Kiarostami vuole evitare spettatore giudizi morali circa il carattere: gli scoppi dei personaggi con gesti e azioni incompresi da parte dello spettatore, e solo con il passare del tempo ci sarà il sequestro, ma in un primo momento è una tempesta di incertezza.

Tutto è attraversato dal suono del telefono, che impedisce il contatto reale tra i personaggi. La mediazione elettronica sembra interrompere il dialogo, e più in una società come il Giappone ultratecnológica. E qui arriva forse uno dei più grandi innovazioni del film, in un momento è un linguaggio cinematografico innovativo. Il call-girl voice mail ascoltatore tutti in taxi, mentre guardava il Giappone che filtra attraverso la finestra, si sente la voce di sua nonna, abbandonato dalla ragazza, che ha inviato diversi messaggi al telefono per cercare di ottenere con esso. Kiarostami racconta tutto il passato del giovane senza visualizzare in una brutale evitare di informazioni che ci raggiunge indirettamente attraverso la voce della macchina. Scena magistrale, forse la più rischiosa del film.

Come la parola è mediato da mezzi elettronici, è solo il look. I film di Kiarostami, perché i film sono sempre alla ricerca. Di qui la call-girl auscultare stanza del vecchio, perché attraverso gli occhi di vostro arredamento riesce a svelare la loro psicologia. E quindi i giri in macchina, che servono a ridurre la soggettività del occupante del veicolo e riempire il sé con l'esterno. L'esterno entra in loro personaggi attraverso l'osservazione, i personaggi diventano nessuno, occhi puri nel tentativo di indovinare il caos del mondo, e che non riescono a svelare completamente.

Come film di Haneke, ancora una volta affronta il problema del confinamento. Incomprensibile per il mondo, è a casa, così essenziale per il carattere delle persone anziane. La casa e auto. Ma questa chiusura è assedianti. Così, Kiarostami pone il conflitto tra l'isolamento del mondo attraverso l'elettronica e la conoscenza, o l'uscita ad esso, nonostante incorrere in un momento difficile, come la prostituzione di giovani.

Questo è senza inizio né fine: inizia in medias res e si conclude in cui un altro di sviluppare il nodo della storia un presente continuo è quello che si sviluppa nel film, motivo per cui i personaggi sono sbagliati a modo loro in auto o ha corretto deviazioni. che sembrano contribuire poco alla narrazione. E non c'è narrazione, solo questo che viene aggiornato con tutte le possibilità che porta al personaggio, con tutta la libertà che offre. Importare il processo, non l'arrivo, la vita, e non obiettivi. Il tempo presente, con tutte le scelte di vita a venire. Di conseguenza, lo sguardo, a cercare (considerato come sinonimo di conoscenza, non solo vedere, vale a sopravvivere), bisogna interrompere passato e futuro.

Tutto il mondo delle opzioni in un piano condensato Kiarostami magnificamente tipica e qui porta alla logica conclusione: il piano dei personaggi in auto da fuori, con lo specchio che riflette il cielo. Così, in un piano, che è un attimo, la vita interiore ed esteriore si fondono, cielo e terra, soggetto e mondo. Questo è il cinema di Kiarostami, il cinema della vita. Come diceva Godard, il cinema Lumière inizia con e finisce con Kiarostami. E ha ragione: la distruzione della narrazione tal fine i progetti è crollato, lasciando solo l'esperienza di un presente che guardava al fine di conoscere.

Foto: Materiale anomala

Michael Haneke è riuscita a conciliare Amour due elementi che sembrano quasi contraddittori: il suo sistema a freddo formale, basato sull'uso di aerei a parte e fissato, permettendo l'osservazione remota sezionare dai gesti dei personaggi, e la vicinanza al personaggio, identificazione con il personaggio rifiuta il resto della sua filmografia. E così è andata Amour, un lavoro freddo e caldo, ruvido e vicino a dove Haneke dà vita a un sistema formale che rifiuta normalmente. Per nell'esperienza di malattia, amore e odio vanno insieme.

Il film della sofferenza, da un vecchio magnificamente interpretata da Emmanuelle Riva, una malattia degenerativa, e mostra l'impatto che questo ha sulla famiglia. Questo è un film argomento di solito poco, si tratta di un piccolo cambiamento di spazio, e film Haneke riesce a dare lo statuto di un argomento che di solito è secondario nei film. Ma il film si concentra sul personaggio del vecchio marito, magistralmente interpretato da Jean-Louis Trintignant, e vediamo gli effetti distruttivi provoca la situazione mentale. E 'un film di un uomo anziano la cui moglie soffre di una malattia, non un film sulla affetti dalla malattia.

Ma il film va oltre. Questa rottura della salute di serve per evidenziare guasto del sistema borghese in cui sono inseriti prima e oltre la loro percezione. Ciò è dimostrato dal primo piano violento, che gli operai crollare la casa per accedervi. Perché se qualcosa la fondazione del sistema borghese, è il tentativo di controllare il mondo. Ragione strumentale, come Adorno chiama: la ragione illuminista non è basato sulla conoscenza, ma la padronanza sull'ambiente, e il borghese alla ricerca di tale controllo impostando il tempo o la divisione della casa di confini ben definiti. E questa critica nel film di Haneke.

Il tempo è un flusso, non una serie lineare di orologi, e alla fine i personaggi dominano dovrebbe smettere perché trabocca. Da qui la successione di puntini di sospensione scrupoloso originale del film, che salta ignorato malattia degenerativa e ci mostrano alcune conseguenze indesiderate per i personaggi, che non può più dominare la pendenza del tempo. Inoltre, parla di progetti futuri, che condivide con sua figlia, interpretata da Isabelle Huppert, saranno gradualmente abortire.

Ma il più grande critica è rivolta al dominio dello spazio da parte della borghesia. Ed è che tutti i livelli del film sono interni, come la borghesia ha creato e stabilito nel vostro centro di controllo della casa da cui osservare il mondo, con bordi di pareti e porte, e non ha osato perdersi nell'ambiente e ha permesso di overflow. Esternamente vi è un solo: quando i personaggi assistere ad un concerto di pianoforte e la fotocamera si trova sul palco, filmando i volti degli spettatori che guardano come spettatori, come appello a riflettere sulle nostre condizioni di vita quotidiana. E non vediamo il concerto ho partecipato, perché i personaggi non sono in grado di vedere oltre se stessi e la loro vita claustrale borghese.

La chiusura che porta al collasso progressiva del carattere. Una chiusura imposto lo stato di sua moglie e la cura deve offrire, quindi il sogno in cui vede l'ascensore rotto nel corridoio. Confinamento dà anche sua moglie, sua figlia perché impedisce l'accesso alla sala, vergognandosi del suo stato di salute. Ma soprattutto, un auto-imposto confinamento che, non perché si vuole far tacere le voci voglio che nessuno criticare la cura che fornisce a sua moglie. Arrivano alcuni dei disegni più espressivi del lavoro: i film di Haneke telecamere i paesaggi dei dipinti a olio appesi alle pareti della casa, aggiungendo il suono della strada, dimostrando che l'unico rapporto con la realtà del personaggio è mediato da un lavoro creato da un altro.

Haneke gioca con l'organico per la creazione di simbolismo, e non introduce elementi esterni per generare idee. Da qui l'utilizzo delle immagini da casa, o l'emergere di una colomba in casa, l'unico segno esterno, e che il primo carattere espulso dalla casa, e poi al culmine del suo crollo, cattura e cura. Allora siete pronti ad affrontare il mondo, o meglio, ad affrontare la morte.

Haneke continua con i suoi piani e supporti fissi, mostrando le vite dei personaggi rispetto incredibile, nonostante la durezza di alcune scene. Come al solito, non extradiegética musica, perché Haneke vuole mostrare i fatti grezzi. Ma si respira un soffio di vita non presente nelle opere precedenti, da qui il ricorso in primo piano in diverse occasioni, in particolare per sparare alla vecchia e che ha generato un sentimento di empatia nello spettatore. Così Amour Haneke mostra la più umana ed è senza dubbio uno dei capolavori che lasciano questo festival nel 2012.

Foto: Sito ufficiale a Cannes